Навигация по курсу
урок 2
|
Как бы ни рассматривалась история портрета - через живопись или даже как он развивался в современной фотографии, - во всех работах прослеживается некое основное течение.
Это течение - стиль, повествование или точка зрения художника, и самые сильные работы традиционно являются результатом его попыток ответить на какой-то вопрос или сделать какое-то заявление.
Исторически это было сформулировано с помощью так называемой "иерархии жанров", и хотя она уже не занимает того пьедестала, на который когда-то претендовала (до XIX века она считалась более определенной), это все еще интересный способ взглянуть на то, как искусство рассматривалось на протяжении многих лет. Иерархия была создана художниками, стремившимися добиться признания живописи как либерального искусства.
Как побочный продукт, живопись не только была принята, но и смогла занять место превосходства над архитектурой и скульптурой. Одним из аргументов было то, что гораздо сложнее изобразить трехмерность на двухмерной плоскости, чем просто вылепить или построить что-то с размерами, уже существующими в пространстве.
На первом месте в иерархии стоит историческая живопись, которая включает религиозные и аллегорические произведения, часто с четким повествованием, несколькими сюжетами и сильным использованием жеста. Далее следует портретная живопись, за ней - жанровая живопись или работы, отражающие повседневную жизнь - пейзаж, живопись животных и натюрморт.
Очевидно, что сегодня эта иерархия не существует в классическом виде, и в ходе этой главы вы сможете увидеть, как она медленно умирает. Если бы можно было перенести древние иерархии в современный мир фотографии, то историческая живопись была бы приведена в соответствие с тем, что считается "изобразительным искусством" или работой, основанной на идее.
Портрет, пейзаж и натюрморт не требуют пояснений. В истории искусства искусство эпохи Возрождения считается воплощением того, что пытается выразить иерархия, отчасти потому, что эти работы определяют сами жанры, к которым они относятся.
Большая часть великого искусства эпохи Возрождения включает в себя множество фигур, исторических и религиозных повествований, выражений и жестов.
Все это, по мнению многих художников того времени, следуя указаниям Леона Баттисты Альберти в его работе "О живописи" ("Della pittura", 1435), имеет наибольший потенциал для того, чтобы тронуть зрителя, и поэтому является самым благородным занятием.
Несмотря на то, что иерархия с тех пор распалась (период романтизма в XIX веке стал последним гвоздем в гроб), мы можем распознать определенные пульсации от концепций старой иерархии, которые все еще ощущаются в искусстве сегодня, в частности, значение и ценность, придаваемые работам, основанным на концепции или идее.
Портретная фотография не застрахована от этого. Наиболее успешные портретные фотографы создают работы, которые в своей основе руководствуются концепцией.
Например, работы Энни Лейбовиц часто носят театральный характер, создавая персонажей для объектов съемки (часто актеров), которых она фотографирует. Она часто включает свет, фоновые стойки и другие элементы, которые нарушают "четвертую стену".
В портретах Ричарда Аведона на белом фоне он стремился создать платформу, где между ним и объектом не было бы никаких отвлекающих факторов. Важным компонентом его портретных работ была связь между ним и объектом.
Когда он становился более значительной личностью, это меняло работу, потому что значительная часть того, что он фотографировал, была динамикой между ним и объектом.
Мартин Шуллер заимствовал свою философию портрета крупным планом у Бернда и Хиллы Бехер. Не визуально или в выборе объекта съемки, а в своем подходе.
Его концепция заключается в том, чтобы поместить объекты на одну и ту же визуальную платформу, чтобы легче распознать, что делает каждого из них похожим, а что - уникальным.
Вот почему, даже если стиль фотографа может быть повторен, фотографии не могут быть повторены. Изображения представляют собой видение, повествование, голос и компонент личной истории. Однако есть огромная ценность в том, чтобы следить за процессом.
Зная, где фотографы (или любые другие художники) начинают и где заканчивают, мы можем изучать их развитие, как история могла повлиять на их решения, и как на многих художников сильно повлияли те, кто пришел до них.
Это течение - стиль, повествование или точка зрения художника, и самые сильные работы традиционно являются результатом его попыток ответить на какой-то вопрос или сделать какое-то заявление.
Исторически это было сформулировано с помощью так называемой "иерархии жанров", и хотя она уже не занимает того пьедестала, на который когда-то претендовала (до XIX века она считалась более определенной), это все еще интересный способ взглянуть на то, как искусство рассматривалось на протяжении многих лет. Иерархия была создана художниками, стремившимися добиться признания живописи как либерального искусства.
Как побочный продукт, живопись не только была принята, но и смогла занять место превосходства над архитектурой и скульптурой. Одним из аргументов было то, что гораздо сложнее изобразить трехмерность на двухмерной плоскости, чем просто вылепить или построить что-то с размерами, уже существующими в пространстве.
На первом месте в иерархии стоит историческая живопись, которая включает религиозные и аллегорические произведения, часто с четким повествованием, несколькими сюжетами и сильным использованием жеста. Далее следует портретная живопись, за ней - жанровая живопись или работы, отражающие повседневную жизнь - пейзаж, живопись животных и натюрморт.
Очевидно, что сегодня эта иерархия не существует в классическом виде, и в ходе этой главы вы сможете увидеть, как она медленно умирает. Если бы можно было перенести древние иерархии в современный мир фотографии, то историческая живопись была бы приведена в соответствие с тем, что считается "изобразительным искусством" или работой, основанной на идее.
Портрет, пейзаж и натюрморт не требуют пояснений. В истории искусства искусство эпохи Возрождения считается воплощением того, что пытается выразить иерархия, отчасти потому, что эти работы определяют сами жанры, к которым они относятся.
Большая часть великого искусства эпохи Возрождения включает в себя множество фигур, исторических и религиозных повествований, выражений и жестов.
Все это, по мнению многих художников того времени, следуя указаниям Леона Баттисты Альберти в его работе "О живописи" ("Della pittura", 1435), имеет наибольший потенциал для того, чтобы тронуть зрителя, и поэтому является самым благородным занятием.
Несмотря на то, что иерархия с тех пор распалась (период романтизма в XIX веке стал последним гвоздем в гроб), мы можем распознать определенные пульсации от концепций старой иерархии, которые все еще ощущаются в искусстве сегодня, в частности, значение и ценность, придаваемые работам, основанным на концепции или идее.
Портретная фотография не застрахована от этого. Наиболее успешные портретные фотографы создают работы, которые в своей основе руководствуются концепцией.
Например, работы Энни Лейбовиц часто носят театральный характер, создавая персонажей для объектов съемки (часто актеров), которых она фотографирует. Она часто включает свет, фоновые стойки и другие элементы, которые нарушают "четвертую стену".
В портретах Ричарда Аведона на белом фоне он стремился создать платформу, где между ним и объектом не было бы никаких отвлекающих факторов. Важным компонентом его портретных работ была связь между ним и объектом.
Когда он становился более значительной личностью, это меняло работу, потому что значительная часть того, что он фотографировал, была динамикой между ним и объектом.
Мартин Шуллер заимствовал свою философию портрета крупным планом у Бернда и Хиллы Бехер. Не визуально или в выборе объекта съемки, а в своем подходе.
Его концепция заключается в том, чтобы поместить объекты на одну и ту же визуальную платформу, чтобы легче распознать, что делает каждого из них похожим, а что - уникальным.
Вот почему, даже если стиль фотографа может быть повторен, фотографии не могут быть повторены. Изображения представляют собой видение, повествование, голос и компонент личной истории. Однако есть огромная ценность в том, чтобы следить за процессом.
Зная, где фотографы (или любые другие художники) начинают и где заканчивают, мы можем изучать их развитие, как история могла повлиять на их решения, и как на многих художников сильно повлияли те, кто пришел до них.
